Le blog de Coups de coeur

Shusterman annonçait sa venue imminente : l’art populaire devait régénérer le grand art qui, en Occident, se meurt lentement. C’est chose faite. Un petit groupe d'artistes urbains Rennais a introduit dans sa pratique du graph le vidéo mapping et propose de nous enthousiasmer de nouveau pour la grande peinture. Scouap est membre du collectif V-Drips, et cela fait trois ans que le Kasseler Dokfest l’invite, sans succès. Ce fut donc un honneur de découvrir, comme des enfants, ce plasticien peindre sur un fond noir un portrait aux multiples réalités au cours de la soirée de vendredi 16 novembre 2012. Devant un public venu essentiellement pour danser et discuter, Scouap a peint successivement des corps décharnés, puis des portraits de femmes qui, selon la projection numérique qui venait les frapper, redevenaient squelettes ou réapparaissaient sous leur forme sexy. Le jeune public arrêta de danser pour filmer la performance. Si, comme le prétend Shusterman, l’art doit se définir par sa réception, alors le public du Caricatura Bar, par son expérience esthétique, a confirmé que l’art de Scouap devait marquer un tournant dans l’histoire de l’art pictural.

Scouap a de nombreux talents. C’est tout d’abord  un incroyable performer qui a le sens de l’intrigue et sait nous tenir en haleine. C’est ensuite, indéniablement, un peintre d’une grande maîtrise artistique et c’est enfin un joyeux technicien qui ajoute un effet numérique à la peinture traditionnelle qui s’anime alors sous nos yeux.

Depuis sa mort déclarée par les mouvements minimalistes, la peinture était à l’agonie.  Les critiques ont vainement cherché en Garouste un sursaut de l’art pictural qui n’aurait dû sa survie qu’au sujet abordé. Mais le sujet ne fut jamais le moteur des révolutions artistiques, quelles qu’elles soient, n’en déplaise aux philosophes. A-t-on jamais vu les « ismes » limiter leur action à un sujet précis ? Si l’impressionnisme est connu en tant que peinture de paysage, les portraits y sont pléthore et la véritable révolution du mouvement se situe dans leur représentation de l’espace et dans le choix de la touche. Nul artiste ne pourra faire l’économie d’une recherche formelle qui seule leur permet de perpétuer une tradition  sans copier ce que faisaient leurs grands-pères. Mais les critiques, le cul assis sur leur chaise, ne prennent pas la peine d’aller chercher « l’art du futur », l’art jeune, là où il se trouve. Pour découvrir ces nouveaux talents, il faut mouiller sa chemise, visiter des lieux de vie en tout genre, bars, festivals, boîtes de nuit, au lieu de consulter les commissaires de musées et directeurs de galeries qui ne font que valider la carrière déjà épuisée d’artistes soutenus par les institutions.

798 est un quartier d'artistes, à l'image de Berlin Est. Situé avant le quatrième périphérique au Nord-Est de Pékin, il regroupe une centaine de galeries d'art contemporain et promeut des artistes confirmés comme les frères Gao ou Zhang Xiao Gang mais aussi de jeunes talents plus méconnus.

L'art contemporain chinois peut être réparti en deux écoles, l'une s'inscrivant dans la lignée de la peinture traditionnelle chinoise, l'autre se rapprochant davantage de l'art contemporain occidental.

En déambulant dans 798, il nous a semblé que les jeunes artistes exposés avaient trop tendance à copier leurs aînés et à proposer des variantes des désormais célèbres Miss Mao au lieu de puiser en eux leur propre inspiration. Malheureusement, cette prolifération de statues en résine rouge détournant l'image du Grand Timonier dévalue l'originalité des Gao Brothers qui ont finalement choisi de s'exprimer à travers de nouveaux medium comme la photographie, la performance ou la vidéo.

Ma Yuan Rippling Lake in Mist, 2009

Un artiste, pourtant, nous a semblé se distinguer de ses compatriotes. Il s'appelle He Sen et renouvelle la peinture traditionnelle chinoise après avoir goûté jusqu'en 2005 à l'art contemporain occidental. L'artiste porte un nom qui lui était prédestiné (Sen 森 signifiant « forêt ») car il s'adonne à la peinture de paysage grand format. L'oeuvre qui a retenu notre attention, Ma Yuan Rippling Lake in Mist, est un triptyque de 6 mètres sur 4, rythmé par deux bandes colorées vert-gris qui encadrent le panneau central sépia. Bien que les teintes choisies puissent rappeler les nuances de l'encre de Chine et celles des sanguines, le tableau est peint à huile. Sous nos yeux, des vaguelettes prennent forme dans la partie inférieure de la composition avant de disparaître dans la brume. He Sen a abandonné ici tout détail anecdotique qui expliciterait le véritable signifié de ces traits ondulés. Ce n'est que parce que les autres peintures exposées représentent des paysages que nous comprenons que c'en est un. Grâce à cette abstraction subtile, He Sen atteint certainement le sommet de son art. La lourdeur d'un grand format imposant est compensée par le dessin aéré de l'eau du lac. Dans la plus pure tradition chinoise, He Sen achève sa composition en inscrivant 4 caractères qui expliquent au regardeur le sens de l'oeuvre (Rippling Lake in Mist). Nous avons été enchantés de trouver cette sensibilité toute chinoise, entre tradition et modernité, chez cet artiste qui, nous l'espérons confirmera sa place parmi les grands d'aujourd'hui.

 

A voir à la Galerie Beyond Art Space : http://www.beyondartspace.com/

En nous rendant à l'exposition Lucian Freud au Centre Pompidou, nous pensions que les corps nus peints par l'artiste nous laisseraient indifférents. En définitive, l'un fut repoussé, l'autre absorbé mais tous deux dérangés par cette curieuse peinture contrastée.

La texture d'abord. Si de loin la touche de Freud semble lécher docilement la surface de la toile, en se rapprochant nous découvrons un corps en putréfaction et une peinture dont la texture mousse au point de sembler se détacher du support. Cela reste surtout vrai pour les nombreux autoportraits sans concession où la toile devient matière.

La composition ensuite. Il existe un point de vue freudien en psychanalyse qui pose le médecin en dispositif d'écoute et se traduit plastiquement chez le petit-fils de Sigmund Freud en un point de vue en plongée. Partout, Lucian Freud semble perché sur une hauteur et abattre son regard sur le modèle comme sur une proie. L'artiste devient prédateur, il domine ses sujets jusqu'à nous donner le vertige et déstabiliser le regardeur.

Ainsi, pour paraphraser son célèbre ancêtre, nous dirions que l'œuvre de Lucian Freud oscille sans cesse entre principe de plaisir et principe de réalité.

Si nous ne devions garder de Freud qu'une qualité, nous retiendrions celle d'avoir multiplié les nus masculins jusqu'à en faire un système. L'histoire de la peinture avait surtout déshabillé les femmes tandis que les hommes ne semblaient mériter ni cet hommage ni cet outrage. Freud pousse la contre-tradition jusqu'à peindre un père à l'enfant, paternité jamais évoquée dans l'art. Du nu au désir il n'y avait qu'un pas que Freud, compte tenu de sa célèbre lignée, n'hésita pas à franchir. Ainsi, D'après Cézanne (2000) met en scène un « threesome » dans lequel un jeune garçon est visiblement victime d'une panne sexuelle qu'il a du mal à surmonter. Vexé, il se détourne de ses deux compagnes, l'une le consolant tandis que l'autre lui porte des huitres sensées revigorer son appétit.

A découvrir au Centre Pompidou jusqu'au 19 juillet 2010. 

Lisa Salamandra a collectionné les papiers de baguettes de pain qu’elle achète tous les jours et a laissé sa créativité s’exprimer sur ce medium. Il en résulte une série originale qu’elle a appelée Daily Bread. Peinte sur plusieurs années (de 2001 à 2009), elle a l’avantage de refléter des expérimentations variées mais cependant cohérentes.

                Dans la sous-série qui a retenu notre attention, raw meat, Lisa Salamandra a utilisé le collage de publicités ou d'étiquettes de viande crue pour créer des nus féminins parfois inspirés par les classiques. Dans d’après Courbet, elle détruit littéralement le mythe de La naissance du Monde : la sensation de mystère évoquée par l’originale se transforme en un jeu de couleurs apparemment inoffensif allant du blanc au rouge. Pourtant, derrière cette façade, de nombreux tabous sont transgressés sinon évoqués : le sexe bien sûr, la création comme dans l’originale (jusque là rien de nouveau) ; mais le coup de génie de Lisa a été d’introduire la mort pour donner une nouvelle dimension à l’œuvre de Courbet. Aux Etats-Unis, les publicités montrant de la viande crue n’existent pas et Lisa a tiré profit de son œil étranger pour utiliser, peut-être pour conjurer, ces images qui la choquèrent. Le résultat est troublant et mérite le détour.

                Elle expose en ce moment : du 5 au 30 novembre 2009, à la Combes Gallery, American University of Paris, 6 rue du Colonel Combes, Paris 7°.